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〜 音楽と共に、成長から成熟のストーリーへ 〜

映画『プラダを着た悪魔２（原題：The Devil Wears Prada 2）』、2026年5月1日に日米同時上映が始まってから1ヶ月経ちましたが、ここ仙台でも上映は続いていますし（6月5日現在）、老若男女問わず、かなり人気のようです。

記事にするのが遅くなってしまいましたが、私自身も公開開始から5日後にはTOHOシネマズ仙台へ足を運び、観てきました。

まずは、2006年に公開された映画『プラダを着た悪魔（原題：The Devil Wears Prada）』について振り返ってみましょう。

ヴォーグ誌の女性編集長のアシスタントを務めた経験を持つ新人作家（2003年時）ローレン・ワイズバーガー（Lauren Weisberger）によるベストセラー小説を原作としたこの映画は世界的に大ヒットしました。

気がつけば20年も前の作品ですから、今作の『プラダを着た悪魔２』を劇場に観に行った人の中にも、当時は生まれていなかったという人もいらっしゃるでしょう。

私はといえば、主人公アンディの「成長」物語としてこの作品を楽しんでいました。

ファッションに興味のなかった一人の女性が、誰もが憧れるファッション誌の世界に飛び込み、戸惑いながらも努力を重ね、自分の居場所を見つけていく。

華やかな衣装やニューヨークの街並み、テンポの良いストーリー展開に加え、印象的な音楽も相まって、とても爽快感のある映画だったように思います。

何より、アンディが仕事を通し、自分の価値観と向き合いながら前に進んでいくその姿に、多くの人が共感したのだと思いますし、私もその一人でした。

20年後の続編が描いたもの

それから20年の時を経て、続編となる『プラダを着た悪魔２』を観て感じたのは、前作とは少し違う空気でした。

もちろん、相変わらずおしゃれで華やか、テンポも良く、笑える場面もたくさんあります。
けれど、その奥には前作以上に深みのあるドラマが描かれていました。

登場人物たちは20年という歳月を生きています。
成功した人もいれば、挫折を経験した人もいる。
それぞれが様々な選択を重ねながら人生を歩んできました。

だからこそ今回の物語では、「これから何者になるか」ではなく、「何を選び、何を手放すのか」が描かれているように感じました。

ナイジェルのさりげない優しさ。
ミランダが下したある決断。
そしてアンディとエミリーの関係性。

どれも若い頃の勢いや競争だけでは語れない、大人だからこその物語でした。
観終わった後、少し胸が熱くなったのは、そんな「成熟」した人間ドラマがあったからかもしれません。

音楽もまた成熟していた

『プラダを着た悪魔』を語る上で、音楽（BGM）は欠かせない存在です。

前作のサウンドトラックは、映画ファンだけでなく音楽ファンからも高く評価されました。
マドンナ（Madonna）、U2、ジャミロクワイ（Jamiroquai）、アラニス・モリセット（Alanis Morissette）など、豪華アーティストの楽曲が並び、作品の世界観を鮮やかに彩っていました。

そして今回の『プラダを着た悪魔２』でも、その伝統は受け継がれています。
レディー・ガガ（Lady Gaga）、デュア・リパ（Dua Lipa）、マイリー・サイラス（Miley Cyrus）、レイヴェイ（Laufey）など、現代を代表するアーティストたちの楽曲が登場し、華やかなファッション業界の空気感を見事に表現していました。

映画を観終わったあと、「サウンドトラックが欲しい」と思った方も多いのではないでしょうか。
私もその一人です。

しかし私にとって、このシリーズを象徴する音楽は別にもあります。
それは、テオドール・シャピロ（Theodore Shapiro）によるテーマ曲「プラダを着た悪魔（Suite From The Devil Wears Prada）」です。
前作のサントラにも収録されていたこの曲は、まさに『プラダを着た悪魔』そのもの。

洗練されたリズム。
都会的で少しユーモアを感じるメロディ。
かと思えばセンチメンタルなピアノの旋律…

あのメロディが流れた瞬間に、ニューヨークの街並みやランウェイ誌の編集部、そしてアンディやミランダらの姿が頭に浮かびます。
作品を象徴するテーマ曲というものは数多くありますが、『プラダを着た悪魔』においては、この曲こそが作品の心臓部なのではないかと感じています。

さらに映画の中では、そのテーマを、テンポを変えたり、楽器を変えたり、アレンジした楽曲が様々な場面で使われています。
だからこそ、気づかないうちに作品全体が一つの音楽でつながっているように感じられるのではないかと思えるのです。

20年前、この曲は私にとって「これから始まる物語」の音楽でした。
新しい世界へ飛び込む高揚感や希望を感じさせてくれる音楽だったように思います。

けれど今回続編で耳にしたときは、少し違って聞こえました。
そこには懐かしさがあり、積み重ねた時間があり、そして再会の喜びがあり、「歩いてきた時間を振り返る音楽」にも聴こえます。

同じ旋律なのに、まるで違う意味を持って響いてくる。
それはきっと、映画の登場人物たちだけでなく、観ている私自身も20年という時間を生きてきたからなのでしょう。

それから、ネタバレになってしまいますが、今作でのサプライズは、レディー・ガガの劇中での登場でした。
（すでに話題なので今更ネタバレにもならないかもしれませんが・・・）

『プラダを着た悪魔』を象徴する音楽といえば、私にとってはテオドール・シャピロによるテーマ曲である一方、ポップミュージックという意味ではマドンナの「ヴォーグ（Vogue）」も外せません。

そして続編では、その「ヴォーグ」がさりげなく流れる場面がある一方で、レディー・ガガが新たな時代の空気をまとって登場します。

2006年に『プラダを着た悪魔』が公開されたまさに同じ年にマドンナの生ライブも体験した私としては、マドンナに代わる存在はいない、と思っています。
けれど、「時代を象徴する女性アーティスト」という意味では、レディー・ガガは現代のポップカルチャーを代表する存在の一人なのだろうと捉えることができるのです。

20年前の『プラダを着た悪魔』と、2026年の『プラダを着た悪魔２』。
その間に流れた時間までもが、音楽によって表現されているように感じました。

20年という時間がくれたもの

前作を観た頃の私は、アンディの成長に心を躍らせていました。
そして今は、ミランダやナイジェルたちの決断に心を動かされています。

同じ作品の続編なのに、心に響く場所が変わっていました。
それはきっと、この20年で私自身も少しずつ歳を重ねてきたからなのでしょう。

『プラダを着た悪魔２』は、懐かしいキャラクターたちとの再会を楽しめる映画であると同時に、自分自身の時間の流れを感じさせてくれる作品でもありました。
そして、その変化に気づかせてくれたのは、20年前と変わらずそこにあった音楽だったような気がします。

ちなみですが、今作『プラダを着た悪魔２』のサウンドトラックのCDはまだ販売されておらず、現時点では配信のみです（なので、上の写真もCDは前作のもの）。
7月に輸入盤CDおよびLP（レコード）の発売は予定されていますが、日本盤については今のところ言及されていません。
また、前作の時はありませんでしたが、今回はテオドール・シャピロによるオリジナル・スコアのアルバムの配信もされています。
そしてこのオリジナル・スコアのアルバムについては、輸入盤・日本盤ともにCDの販売は言及されていません。
このご時世ですので、CDでの販売拡大はされないのかもしれませんが、私個人としては、是非とも日本限定特典付きバージョンとして、サウンドトラックとオリジナル・スコアののCDセット販売をして欲しい気持ちです・・・

追記：なんとこの記事をアップした直後、『プラダを着た悪魔２』サウンドトラックCDの日本盤＜特典付き＞の販売について発表されました！7/31（金）に発売決定とのことで、予約受付が始まっています。
なお、オリジナル・スコアについては未だ配信のみの模様です。

映画『プラダを着た悪魔２』公式ホームページ：https://www.20thcenturystudios.jp/movies/devil-wears-prada2

✔️『プラダを着た悪魔２』上映劇場一覧：https://eigakan.org/theaterpage/schedule.php?t=devilwearsprada2

✔️『プラダを着た悪魔２』サウンドトラック情報：https://www.universal-music.co.jp/dwp2soundtrack/

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あなたには
年月を経て見え方が変わった
作品はありますか？

〜 人生も完璧じゃつまらない 〜

1975年、それは私が生まれる前のことですし、キース・ジャレット（Keith Jarrett）やマイルス・デイヴィス（Miles Davis）といった偉大なミュージシャンの名と一部の音楽は知っていても、ジャズに特別詳しいわけでもない私は、この1975年1月24日のライブが歴史的名盤として語り継がれていることは知りませんでした。

なので、今回も予告動画とチラシ以外の事前情報は得ないまま観に行った映画『1975年のケルン・コンサート（原題：Köln 75）』については、最初は、「実話ベースらしいけれど、これって一体どこまでが事実なの？かなり大袈裟にしてる？」と思いながら観ていました。

ところが、パンフレットを読むと、驚くほど多くが実際の背景や起きたことだったとのことでした。

当然ながら映画として脚色された部分はあるにせよ、チラシにある

これは、嘘のような実話に基づく物語。

というキャッチコピーは決して大袈裟というわけではないのです。

若き女性プロモーター、ヴェラ・ブランデス（Vera_Brandes）。
反対されながらもコンサートを企画し、疲弊しきったキース・ジャレットを迎え、当日現れたのは、まともとは言い難い”壊れたピアノ”。
普通なら「失敗」で終わってもおかしくない状況です。
けれど、その夜の演奏は後に伝説となりました。

まさに嘘みたいな実話に、私はすっかり引き込まれてしまいました。
ただ、映画を観ている最中、一つだけ少し戸惑ったことがあります。

肝心のクライマックス“ケルン・コンサート”の演奏シーンで、キース・ジャレット本人の音が流れなかったのです。
「え、どうして？」と最初は正直少し拍子抜けしました。
「これって単なるそういう演出？それともこのコンサートCDもパンフと一緒に売店に並んでたけど、それ売るための戦略？」そんなことさえも思いました。

でもこの点についても、後からパンフレットを読んで知りました。
キース本人にとって、このコンサートは必ずしも幸福な思い出ではなく、音源使用の許可も下りなかったのだそうです。

＊ヴェラがキースの演奏に惚れ込んだきっかけとなったベルリンでの演奏シーンもあるが、その場面でのピアノ音楽はキース・ジャレット本人のものではなく、いわゆるキースらしい即興演奏を模して再構築されたもの

映画を観たことでキース・ジャレットというアーティストの人柄に触れることもできたせいでしょうか、そんな事情を知った時、妙に納得できました。
そして逆に、「それでも映画化を許したのだ」と思い、ホッとしました。

また、その場面でキースの演奏の代わりに流れていた音楽はジャズシンガーのニーナ・シモン（Nina Simone、1933年2月21日-2003年4月21日）による『To Love Somebody』という誰かを愛することの大切さを歌った曲。
しっかりとした意味合いと配慮があったのだなと理解しました。

結局、私は映画を観た後に、歴史的名盤と言われているキース・ジャレットのケルン・コンサートのCDまで買ってしまいました。

つまりこの映画は、キース本人の音を使わなくても、観客を本物へ向かわせる力を持っていたのだと思います。

そして心に響いたのは、監督イド・フルーク（Ido Fluk）のパンフレットに記載されたインタビューでした。
彼は、

完璧なものってつまらないと思っていて、良い芸術はその中からは生まれない

と語っていました。

撮影現場でも毎日のように“壊れたピアノ”のような問題が起きる。
でも、その不完全さこそが、作品をより良くすると。

この言葉に、とても共感しました。

創作というのは、本当に思い通りにいかないものです。
時間も、環境も、技術も、感情も、いつだって不完全です。

けれど、だからこそ生まれるものがある。
むしろ、傷や制約や偶然があるからこそ、作品に人間らしさや熱が宿るのかもしれません。

そしてこの映画自体も、まさにそんな“不完全さ”の中から生まれた作品だったように思います。

本人の音源は使えない。
歴史的ライブを扱う。
比較もされる。

それでも、この映画は成立していました。
いや、むしろ“不完全”だったからこそ、単なる再現映画ではなく、「情熱の物語」になったのではないでしょうか。

また、この映画が素晴らしかったのは、天才だけを描かなかったことです。

歴史に名を残すのはキース・ジャレットかもしれません。
けれど、その夜を成立させたのは、無茶を通した若きプロモーター、ヴェラ・ブランデスでした。

監督は、

バックステージで働く人にも光を当てる、そういう人たちにを認めるということが私たちの文化にとってもとても大事なこと

とも語っていました。

表舞台の裏には、名前の残らない情熱があります。
そして時に、その情熱こそが歴史を動かしているのだと思います。

映画を観終わった後、私はなんだか、「人生って、こうでなくちゃな」と思いました。

完璧じゃない。
無茶で、危うくて、失敗寸前。
でも、それでも誰かが諦めなかったから、後世に残るものが生まれる。

映画『1975年のケルン・コンサート』公式ホームページ：https://www.zaziefilms.com/koln75/#castBox01

ちょっとネタバレですが、エンディングでは、現在のヴェラ・ブランデス本人（2026年の誕生日で70歳）と、50歳のヴェラ・ブランデス（役：スザンネ・ウォルフ／Susanne Wolff）、18歳のヴェラ・ブランデス（役：マラ・エムデ／Mala Emde）の3人が並んで登場します。
また、劇中、映画の中の登場人物が映画鑑賞者に向けて直接語りかけるような演出があったりと、それを軽妙だなど批判する声も一部あるようですが、私には内容を理解する助けになったし、ここ最近、実話に基づく映画というと心にズシーンとくるようなものが続いていた私にとって、笑えて明るく朗らかな気持ちになれてよかったです。

最後に、このCDについても触れておきますね。

キース・ジャレット（Keith Jarrett）は1945年5月8日（2026年現在81歳）、アメリカ・ペンシルベニア州生まれのジャズ・ピアニスト／作曲家です。
20代半ばという若さで当時すでにジャズ界の帝王と言われていたマイルス・デイヴィス（Miles Davis、1926年5月26日-1991年9月28日）のバンドでも活躍し、現代ジャズ界の頂点に立つピアニストの一人として知られていますが、特に評価されているのが、その場で音楽を生み出していく即興演奏です。

そして1975年1月24日、ドイツ・ケルン歌劇場で行われたソロコンサートを収録したアルバム『ケルン・コンサート（The Köln Concert）』は、ジャズ史上屈指の名盤として語り継がれているのです。

今回私が購入したCDは、映画『1975年のケルン・コンサート』公開と、録音50周年のタイミングに合わせて発売されたもののようで、ブックレット内には、18歳のヴェラ・ブランデスの奮闘ぶりが映画化されたことについても触れられていました。

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もちろん、この演奏は映画を観なくても十分に素晴らしいものだと思います。
けれど私は、映画を観た後だったからこそ、より深く心を揺さぶられました。
その感動は、静けさの中で聴いていると瞳が潤んでくるほどです。

手違いで手配された、老朽化したベビー・グランド・ピアノ。
長距離移動による疲労、腰痛、睡眠不足で満身創痍のキース・ジャレット。
しかも本人は当初、「こんなピアノでは弾けない」と演奏を断ろうとしていた。

そんな極限状態の中で生まれた演奏だったのだと知って聴くと、その音は単なる美しいピアノ演奏ではなく、人間の創造力そのもののように感じられます。

壊れたピアノ。
不完全な状況。
それでも、その夜にしか生まれなかった音楽。

映画館では「本物の音」を聴けなかったことに少し残念さも感じてしまった私でしたが、結果的にはその不足があったからこそ、私は実際にこのCDを手に取り、そして深く感動することができました。

完璧ではないからこそ、人の心を動かすものが生まれる。

映画『1975年のケルン・コンサート』、そしてキース・ジャレットのアルバム『ケルン・コンサート』は、そんなことを教えてくれる作品のように感じました。

映画『1975年のケルン・コンサート』公式ホームページ：https://www.zaziefilms.com/koln75/#castBox01

なお、私がこの映画を観たフォーラム仙台での上映は5月14日(木)には終了予定ですが、他劇場予定は公式ホームページにてご確認くださいませ。

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「不完全だからこそ」
心に残ったものはありますか？

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〜特別料金にも納得！映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』〜

TOHOシネマズ仙台にて、映画館ではたったの１週間のみの（2025年7月11日(金)〜17日(木)）限定公開である映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』（原題『Hans Zimmer & Friends: Diamond in the Desert』）を観てきました。

映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』公式ホームページ：https://www.culture-ville.jp/hanszimmer

＊以下、この映画に出てくるアーティストの名前はWikipediaへリンクしている部分がありますので、興味のある方はご参考になさってください

それはまさに、期待をはるかに超える感動体験でした。
決して大袈裟に言っているわけではなく、映画、音楽、アート全般を愛する私にとっては、本当に価値ある映画だと心底感じ、ぜひ記録しておきたいと思ったので、今こうして綴っています。

なおこの映画は、残念ながらパンフレットが制作されていません。
そんなこともあり、私なりにしっかり記録しておきたく、以下から少々詳しめの内容（ネタバレ）になるかと思います。
私自身は初見の映画は、事前にはあまり余計な情報を入れないで観て楽しみたいタイプなので、申し添えておきますが、映画をまだご覧になっていない方は、その点ご留意くださいね。

さて、この映画、一般 2,700円という特別料金。
TOHOシネマズでIMAXでもDOLBY ATMOSでもないのにこの料金で、いかなる割引も適用不可とのこと。

それで、私としては、過日のハンス・ジマー 初来日公演「Hans Zimmer Live in Japan」（2025年5月、横浜および名古屋にて開催）に行けなかったけれども、これで大好きな映画音楽をライブ映像として映画館の大画面と大音量で楽しめるのであれば良いだろう、特別料金なのもそれなりの理由があるのだろうし…くらいの気持ちで映画館へ足を運んだのでした。

が、しかし、これは単なるコンサートフィルムではありませんでした。

ハンス・ジマー（Hans Zimmer）という稀代の作曲家が、いかにしてあの壮大な音楽を生み出しているのかに迫る、深遠なドキュメンタリー映画と言えます。
彼の音楽に対する情熱、創作のプロセス、そして彼を支える素晴らしいアーティストたちとの揺るぎない絆が、スクリーンからひしひしと伝わってくるのです。

まさしく、『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』というタイトル通り。
ハンス・ジマーと彼の素晴らしいフレンズたちが織りなすサウンドとストーリーは、まるで砂漠の中に突如現れきらめくダイヤモンドのように、私の心に深く響き渡りました。
（ちなみに、デザートは食べるデザート(dessert)ではなく、砂漠のデザート(desert)ですよ。笑）

次の動画はこの映画の予告編です。

先ほど、単なるコンサートフィルムではないと述べましたが、ライブ会場ではなくとも、スクリーンによって観客が十分に楽しめるような映画として、構成をとても考えられた作品だと感じました。

映画は、タイトルを象徴した砂漠の砂丘で歌うロワール・コトラー（Loire Cotler）によって幕が切られます。
そう、砂漠といえば、ハンス・ジマーが生んだ名曲を代表する『DUNE／デューン 砂の惑星』（原題『Dune』）を想像するのに難くないでしょう。

また、演奏される音楽の間には、ハンス・ジマーと彼に関わる映画監督、俳優、ミュージシャンといったアーティスト達との対談が組み込まれていて、ハンス・ジマーが創り出してきた楽曲のバックグラウンドを知ることができます。

例えば、『DUNE／デューン 砂の惑星』の監督であるドゥニ・ヴィルヌーヴ（Denis Villeneuve）、主演のティモシー・シャラメ（Timothée Hal Chalamet）やゼンデイヤ（Zendaya Maree Stoermer Coleman）との対談もあり、それぞれ全てが非常に興味深かったです。
個人的には、今年観た映画『名もなき者/A COMPLETE UNKNOWN』で、ティモシー・シャラメが伝説のシンガーであるボブ・ディランとして素晴らしい演技を披露したのも、この対談を観て妙に頷けました。

そして、コンサートツアーの会場からこの映画用に使われたのは、アラブ首長国連邦ドバイのコカ・コーラ・アリーナでのライブ風景。
アラビアの豪華なスポットの一つだからということもあるでしょうけれど、やはり砂漠に面することも理由にあるのではと。

オープニングに続いての音楽と映像は、ドバイのコカ・コーラ・アリーナで演奏された『インセプション』（原題『Inception』）の曲でした。

今や鬼才として映画界に君臨する方をこんな風に言うのも恐れ多いことですが、私はこの作品で、監督を務めたクリストファー・ノーラン（Sir Christopher Nolan）の名をしっかりと覚え意識するようになったと記憶してます。
もちろんクリストファー・ノーランの作品はそれ以前のものも観たし、どれも面白いのですが、私には『インセプション』がとりわけ衝撃的だったのです。
その世界観が大好きで、DVDでも繰り返し観ているので、この音楽が映画館の大音量で楽しめて大興奮しました。

さてその次は、『ワンダーウーマン 1984』（原題『Wonder Woman 1984』）です。
強く美しくかっこいい女性に憧れる私は、当然この『ワンダーウーマン』シリーズも大好きなので、興奮冷めやらず。

ちなみに、『ワンダーウーマン』は2017年に1作目が公開されていて、『ワンダーウーマン 1984』はシリーズの2作目です。
いずれも監督はパティ・ジェンキンスですが、ハンス・ジマーが音楽を担当したのは『ワンダーウーマン 1984』の方。
シリーズものの映画は、監督や俳優が変われば、作風にも違いが現れますが、音楽も然りで。
観る人の好みによっても変わってくるわけですが、その辺の違いも比べてみるのも、映画の面白さですよね。

次は『マン・オブ・スティール』（原題『Man of Steel』）の曲でした。
『スーパーマン』シリーズの一つですが、私は今のところ、これが一番好き♡
音楽がハンス・ジマーであるところに、前述したクリストファー・ノーランが製作・原案を担当し、好きな俳優の一人であるヘンリー・カヴィルが主人公のクラーク／スーパーマンを演じたこと、そして実話をもとにした名作で私も感銘を受けた『アンタッチャブル』（原題：The Untouchables）で主演を務めたケビン・コスナーがクラークの父親を演じた点で私には特に響いているのだろうと思います。

ところで、このブログにはハンス・ジマーが請け負った映画がどんなものだったかを把握していただけるように、その映画予告をYouTubeより転載させていただいてますが、映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』では単純にそれらの映像が映し出されるというものではありません。

先に述べたように、ドバイのコカ・コーラ・アリーナでのライブ風景が軸とはなっていますが、曲間には別撮りした対談の様子があったり、ロケ撮影による演奏風景などと共に構成されています。
しかし、ここに挙げている動画のような、それぞれの映画のシーンと感動が、ハンス・ジマーとその素晴らしい仲間たちによる壮大なパフォーマンスと興味深いトークよって新たな感動として呼び起こされるのです。

『マン・オブ・スティール』演奏直前にも対談が組み込まれていたのですが、そこでハンス・ジマーが「スーパーマンに相応しいのは見栄えのいいグランドピアノなんかじゃない。ヒーローである一方で、孤独を感じ、農場での生活を大切にする彼のイメージには素朴なアップライトピアノがいい。」といったことを話し、その後場面が切り替わり、コンサート会場のステージ上で中央に置かれたアンティークなアップライトピアノによる演奏が始まったシーンは印象的でした。

この次は、『グラディエーター』（原題『Gladiator』）より。
古代ローマを舞台にした歴史アクション映画で、アカデミー賞では作品賞など５部門を受賞し、ゴールデングローブ賞では最優秀作品賞を受賞した名作で、ハンス・ジマーが担当した音楽も、ゴールデングローブ賞では最優秀作曲賞を受賞し、アカデミー賞ではノミネートを果たしています。

これも砂漠（モロッコ）でロケが行われている作品でしたが、『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』でも、『グラディエーター』のパートは砂漠（アラビア）でのロケ撮影によるものでした。

今までハンス・ジマーの音楽は幾度と耳にしても、彼自身が演奏したり語る姿はほとんど目にしたことがなかったので知りませんでしたが、この映画を観て、ハンス・ジマーは瞳がとってもキレイな人なんだと気がつきまして。
特に、この『グラディエーター』の演奏風景では、目の輝き度合いが半端なくて、本当に音楽を愛してる人なんだろうな、こんな少年みたいで情熱的な人だから、こんな素晴らしい音楽を生み出すのだろうな、と感じました。

そして次の、『パイレーツ・オブ・カリビアン』（原題『Pirates of the Caribbean』）では、あの誰もが聞き覚えある曲の部分で、コンサート会場の盛り上がりも最高潮に。
こちらは、映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』の公式ホームページにもアップされている動画をシェアさせていただきますね。

映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』公式ホームページ：https://www.culture-ville.jp/hanszimmer

で、この高揚感ある盛り上がりの後は『ダークナイト』（原題『The Dark Knight』）ときまして。
これは、光と闇の音のコントラストとでも言えるでしょうか…

『パイレーツ・オブ・カリビアン』に打って変わって漂う、深く暗い緊張感。
あの重厚な低音と、心臓を叩かれるかのような不穏なリズムは、聴く者の心をざわつかせ、まるでゴッサムシティの暗闇に迷い込んだかのような感覚に陥れられます。
ライブで迫ってくるその鋭利で研ぎ澄まされた音の塊が、単純な盛り上がりとは違う、ゾクゾクするような興奮と、静かに心を揺さぶられる美しさを伴うものでした。

そんなダークな楽曲に続くのは『X-MEN:ダーク・フェニックス』（原題『Dark Phoenix』）。

マーベル・コミックスの『X-MEN』もシリーズ化されている映画ですが、実は私、『X-MEN』といえばウルヴァリン、そしてそれを演じるヒュー・ジャックマンと思っていたため、彼がが出ていないこの『X-MEN:ダーク・フェニックス』は未見でして。

でもこの『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』でのハンス・ジマーらのパフォーマンスを観たことをきっかけにこの予告編を観たら、もう気になってしょうがない。
こんな理由からでも、この映画も絶対観たい！って気持ちにさせるミュージシャンの存在って、本当にすごい。

そしてこの後も、『ダンケルク』（原題『Dunkirk』）とダークな感じが続きます。

『ダンケルク』は、第二次世界大戦のダンケルク大撤退を描いた映画で、これまでハンス・ジマーとタッグを組んで数々の名作を産んできたクリストファー・ノーランにとっては初の実話に基づいた映画。
第90回アカデミー賞では作品賞、監督賞、美術賞、撮影賞、編集賞、音響編集賞、録音賞、作曲賞の8部門にノミネートされ、編集賞、録音賞、音響編集賞を受賞した名作です。

映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』では、クリストファー・ノーランの姿がなかなか出てこなかったのでいつ出てくるんだろうと思っていましたが、クライマックスに差し掛かる後半で、彼らの含蓄ある対談シーンがありました。
名監督クリストファー・ノーランと名音楽家のハンス・ジマーがタッグを組んだ映画から、彼らはまさに、単なる仕事上のパートナーシップを超えて深い信頼と友情で結ばれている、そんなことを感じつつありましたが、この『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』を鑑賞して、それを確信。

そして次も、彼らがタッグして創られた素晴らしい作品の代表作の一つ『インターステラー』（原題『Interstellar』）の楽曲。

神秘に満ちた宇宙を描いた『インターステラー』の曲を、世界最大の360度プロジェクションドームとしての機能を持つアル・ワスル・プラザ・ドーム（エキスポ・シティ・ドバイ内）にて演奏収録された映像は、私たちが未知の、美しく壮大な世界観が表現されていて、もううっとり。

こちらも、映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』の公式ホームページにライブ風景がアップされていますので、シェアさせていただきます。

映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』公式ホームページ：https://www.culture-ville.jp/hanszimmer

そんな神秘に包まれた後に続いたのは『ライオン・キング』（原題『The Lion King』）。
終盤にこれを持ってきたのは、1994年に、音楽部門でアカデミー賞、ゴールデングローブ賞、グラミー賞受賞を受賞した、ハンス・ジマーにとっても非常に輝かしい作品の一つだからゆえでしょう。

なんと、この作品が公開されたのは、30年以上も前になるんですね。
実は、私の手元には、このサウンドトラックCDがあるのですが、今は亡き父が購入していたものを、勝手に奪った代物でして。
女優ゼンデイヤとの対談で、ハンス・ジマーが「６才の頃に父を亡くした自分が、娘のためにこの映画への参画を決めた」ということを語っていたシーンでは、私の映画や音楽好きは父の影響もあるので、思いもがけず、涙してしまいました。

このCDもずっと聴いていませんでしたが、思い出して、いそいそとiTunesにアップロードしています。

こんな私の個人的な思い出はどうでもいいでしょうが（私のブログなのでお許しくださいませ）、映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』での『ライオン・キング』ライブ風景は、また凄かったです。
会場中に太鼓隊が現れて、ハンス・ジマーら演奏者とともにパフォーマンスを繰り広げるのです。
あの場に自分もいることができたら、どんなに楽しかったか…
コンサートに行った方を羨む気持ちもありますが、大画面と大音量の映画館でこの映画を観たことで、その臨場感を味わうことができたので、本当に良かったです。

さてここまで、相当長くなってしまいましたので、この他にも演奏、対談があるのですが、自分の想いも含めて記述しているとキリがないので、この辺で。
いずれにせよ、映画『ハンス・ジマー＆フレンズ：ダイアモンド・イン・ザ・デザート』は歴史に残る作品となるだろうなと感じています。

TOHOシネマズ仙台では、通常会場で特別料金2,700円での上映でしたが、そこに追加料金払ってでもいいからDOLBY ATMOS（＋200円）で観たかった！と思える素晴らしい映画でした。

ハンス・ジマーファンはもちろんのこと、映画音楽に興味がある方、ライブパフォーマンスの素晴らしさを体験したい方、そしてアートが持つ力に触れたいすべての人におすすめしたい作品です。

あなたが得た
感動体験って
どんなものですか？

〜そしてあの歌声の正体にも驚き、感動〜

映画好き！と言いながらも、昨年は仕事でぐったりで、気がつけば、なんと一度も映画館へ行くことができませんでした。
しかし、昨年末に仕事を辞め、年明けには基本自由の身となり、今は、少なくとも週に１回以上は映画館へ足を運ぶことができてます（しかも人が少ない平日に行けるから尚のこと幸せ）♪
なので、本当は観てきた映画について全て記録しておきたい気持ちは山々なのですが、今年はこれまで諦めてきたあらゆる学び直しや、やりたかったこと、加えてしっかり自分を労ることに時間を使っているため、およそ半年間、無職ながらも、毎日が充実していてあっという間です。

そんな中でも、先日、フォーラム仙台でリバイバル上映されていた『はじまりの歌』（原題『Begin Again』）を観てきて、これが素敵な映画で、まさに心が震える体験となりまして。

この作品、日本では2015年に公開されて以来、音楽好きの間ではもちろん、多くの方々の心をつかんできた名作とされています。
しかしながら、私、恥ずかしながら今までこの映画を観ずにおりまして、今回10周年記念のリバイバル上映ということで、これは見逃せない！と劇場へ足を運んだのでした。

そして、なぜ今、再びこの映画がスクリーンにかかるのか、観終わった後にその理由がよーく分かった気がしたのです。

・・・大好きな音楽が、人生を変える・・・

音楽にこだわるジョン・カーニー（John Carney）監督の作品ですし、これがこの映画のテーマなのだろうと思いますが、音楽に限らず、自分が好きなことをしてこそ幸せな人生を歩めるのだ、ということを体現している作品なのではないかと、私には感じられました。

ところで、映画館では、時々ノベルティーなるものをいただける時がありますが、今回、今ではほとんど見ることがなくなった生写真のような加工が施されたこちらのカードをいただけて、写真好きの私には嬉しいサプライズも。

カードの下部に印字されている英文は、この映画の主人公の一人であるダンが言ったセリフです。

That’s what I love about music.
One of the most banal scenes is suddenly invested with so much meaning, you know?
音楽の魔法だ。
陳腐でつまらない景色が美しく輝く真珠になる。

（直訳したら、「それが俺の音楽の好きなところ。ありきたりなシーンが、突然、こんなにも深い意味を持つようになるんだ。わかる？」てなところを、本映画の日本語字幕ではこのように素敵に翻訳されていました）

映画『はじまりのうた』（原題『Begin Again』）は、一言でまとめると、ニューヨークを舞台に、シンガーソングライターの主人公グレタ（キーラ・ナイトレイ（Keira Christina Knightley））と、落ち目の音楽プロデューサー、ダン（マーク・ラファロ（Mark Alan Ruffalo））が出会い、共に音楽を創り上げていく物語で、登場人物それぞれが抱える葛藤や、人生の転機が、音楽を通じて繊細に、そして力強く描かれていきます。

特に印象的だったのは、ニューヨークの街中でゲリラ的にレコーディングしていくシーン。
街の喧騒や自然の音さえも音楽の一部として取り込み、そこから生まれるサウンドは、まるで魔法のよう。
彼らが音楽に情熱を傾ける姿を見ていると、観ている私たちも「何か新しいことを始めてみようかな」「もっと自由に生きてみようかな」と、そっと背中を押されるような気持ちになります。

そして、音楽をテーマにしているので当然と言えばそうかもしれませんが、何と言っても、音楽が最高！
劇中で生まれる楽曲はどれも心に響き、観終わった後もずっと頭の中でリフレインしています。
私もすっかり魅了されてしまい、思わずサウンドトラックのCDを購入してしまいました（笑）。
ここ最近は音楽をゆったり聴くという時間もほとんどなかったし、あったとしてもストリーミングで聴くくらいだったのですが、この映画をきっかけに、改めてじっくりと音楽と向き合う時間を持てたことが、個人的にはとても嬉しかったです。

さて、私自身がこの映画で体験した「あの歌声の正体」にまつわる、驚きと感動の再発見についても、是非シェアさせていただきたいと思います。

まず、主人公グレタを演じたキーラ・ナイトレイ。
正直なところ、私は彼女が歌を歌うイメージがほとんどありませんでした。
あの『パイレーツ・オブ・カリビアン』シリーズでの凛とした演技が印象的だったので、まさかこんなにも心に響く歌声の持ち主だったとは・・・！

ご参考までに、『パイレーツ・オブ・カリビアン』序章の予告編動画をあげておきます。

映画『はじまりのうた』で彼女が歌い上げる楽曲はどれもが素敵で、透き通るような歌声と、感情のこもった表現にすっかり引き込まれてしまいました。
「え、彼女ってこんな歌声だったの！？」と、良い意味で衝撃を受けたのです。
彼女にとって本格的に歌声を披露したのはこの映画が初めてだったとか。
女優としての才能はもちろんのこと、新たな一面を知ることができて、ますます彼女が好きになりました。
映画のサントラを聴けば、あの感動がいつでも蘇ってきます。

そしてもう一つ、映画を観ていて鳥肌が立ったのが、グレタの彼氏・デイヴ役の歌声です。
彼の歌うシーンで「あれ？この高音が成せる歌声、どこかで聴いたことがあるような…？でも、誰だっけ？」と感じて。

映画を観終わってパンフレットを開いてみたら…なんと！
デイヴ役を演じていたのは、あの世界的ロックバンドMaroon 5（マルーン5）のリードボーカル、アダム・レヴィーン（Adam Levine）だったのです！
これには驚きました。
以下の予告編動画には明記されていますが、私自身はこれを事前に見ておらず、彼が映画に出演していること自体知らなかったもので・・・
（チラシにもよくよく読めば書いてあるのですが、こちらも事前にはしっかり読まず。そして情報過多の現代ですが、あまり多くを知らずのまま映画を観に行くのも楽しみの一つだから。結果そうして良かったです😆）

実のところ、私、この映画で使われている曲も収録されているマルーン5のアルバム『V』をリリース時（2014年）に購入していたんです。
しばらく聴いていなかったので忘れてしまっていましたが、彼の歌声に聞き覚えがあったのは当然のことでした。
映画を観て自宅へ帰ってから、持っているCDの中から探し出し、改めて『V』を聴き直してみると、映画で感じた彼の歌声の魅力がより深く、そして鮮明に胸に響いてきました。
点と点が線で繋がるような、不思議で感動的な体験でした。

これは、音楽が繋ぐ、新たな発見と喜びとでも言えるでしょうか。
キーラ・ナイトレイとアダム・レヴィーン、二人の歌声が織りなす音楽は、この映画の大きな魅力の一つです。
彼らの歌声が、物語の感情を一層豊かにし、観る者の心に深く刻まれます。

私のように「今まで知らなかったけれど、観てみたらとんでもなく素晴らしい出会いがあった！」という方はきっと少なくないはずです。
今回のリバイバル上映は、まさにそんな音楽と人との新たな繋がりを再確認させてくれる、貴重な機会だと感じました。

もしこれから『はじまりの歌』をご覧になる方がいらっしゃったら、ぜひキーラ・ナイトレイとアダム・レヴィーンの歌声にも注目してみてください。
あなただけの特別な「発見」があるかもしれません。

そして、
もし、あなたが「最近、何か感動する作品に出会っていないな」と感じているなら。
もし、「音楽の力って、すごいな」と改めて感じたいなら。
そして、「新しい一歩を踏み出す勇気がほしい」と思っているなら。

この『はじまりの歌』は、あなたの心に温かい光を灯してくれるでしょう。
音楽が持つ力、人との出会いがもたらす奇跡、そして人生の再生。
観終わった後には、前向きな気持ちになれるのではないでしょうか。

残念ながら、フォーラム仙台での上映は6月26日(木)までですが、機会があればぜひ、DVDや配信などでご覧になってみてください。

私もこの感動を胸に、これからも音楽のある生活そして自分を生きる人生を大切にしていきたいと思います。

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